31/12/2010

HAPPY NEW YEAR 2011

HAPPY NEW YEAR 2011

Feliz Ano Novo
Glückliches Neues Jahr
Nytar
Feliz Año Nuevo
Felicigan Novan Jaron
Heureuse Nouvelle Année
Feliz Aninovo
Shaná Tová
Happy New Year
Felice Nuovo Anno
Akemashite Omedetou Gozaimasu
 'Gutes Neues Jahr'
 'Bon Any Nou'
 'Xin nian yu kuai'
'Bonan Novjaron'
 'onnellista Uutta Vuotta'
 'Bonne Année'
 'Blwyddyn Newydd Dda'
 'Kainourios Chronos'
 'Shanah Tovah'
 'Gelukkig Nieuwjaar'
- 'Boldog Ujevet'
'Selamat Tahun Baru'
 'Farsflt Komandi Ar'
 'Buon Capo d'Anno'
 'Akemashite Omedetou Gozaimasu'
 'Annum Faustum'
 'Godt Nytt Ar'
 'Szczesliwego Nowego roku'

Melhor do que todos os presentes por baixo da árvore de natal é a presença de uma família feliz.

Desisti de ser feliz. Agora me sinto muito menos infeliz.

THE RESIDENTS

Temas sombrios sobre o Natal, como de 1979 "Dumbo The Clown (Who Loved Christmans),e 'Santa Dog' que se tornou uma espécie de hino, uma vez que foi re-gravada e re-editada várias vezes durante a carreira. A versão 'Santa Dog 78' adoça levemente o tema Natalicio. Chega perto de exorcizar os demónios de Natal numa imagem única escaldante. Eles usam máscaras de Papa Noel com barba branca, cachecóis, perucas, olhos injectados de sangue, bocas e lábios vermelhos registando um sorriso fixo com os dentes arreganhados.
O primeiro álbum de 1973, especificamente a faixa do lado dois ‘Seasoned Greetings’, é um dos muitos temas dos The Residents de Natal - um instrumental que começa e termina com um cânone melancólico de piano e horns- "brooding mid-section, wah-wah guitar noodlings" serpenteiam ao longo de um baixo distorcido com piano. Horns gritam como elefantes triunfantes. No final uma medonha quebra da voz sentimental, berran ‘Merry Christmas, Mom! Merry Christmas, Dad! And Merry Christmas, Sis! I love you!’.

Num tom "naif" imaginável. Uma paródia sarcástica ao dia, um greeting card em som.
Protege-nos dos horrores habituais do Natal - a família, a tarefa sazonal desagradável, noites escuras, péssima TV - que induz em depressão cronica.

Joshua Hoffine: fotógrafo do horror

Joshua Hoffine: fotógrafo de horror

The Best Albums Of 2010

The Best Albums Of 2010:

30 Celeste Morte(s) Nee(s)
29 Autechre Oversteps / Move Of Ten
28 Konono No.1 Assume Crash Position
27 Chrome Hoof Crush Depth
26 Black Breath Heavy Breathing
25 Future Islands In Evening Air
24 High On Fire Snakes For The Divine
23 Flying Lotus Cosmogramma
22 Lonelady Nerve Up
21 Janelle Monáe The Archandroid
20 Matthew Sawyer and the Ghosts How Snakes Eat
19 Blood Of The Black Owl A Banishing Ritual
18 Gil Scott-Heron I'm New Here
17 White Hills White Hills & GNOD and White Hills Drop Out With White Hills And GNOD II
16 Jane Weaver Fallen By The Watchbird
15 The Shining Blackjazz
14 Pansonic Gravitoni
13 Tamikrest Adagh
12 Pantha Du Prince Black Noise
11 Oneohtrix Point Never Returnal
10 Cathedral The Guessing Game
9 The Fall Your Future Our Clutter
8 Walls Walls
7 These New Puritans Hidden
6 The Besnard Lakes Are The Roaring Night
5 New Young Pony Club The Optimist
4 Lindstrøm & Christabelle Real Life Is No Cool
3 UFOmammut Eve
2 Gayngs Relayted
1 Liars Sisterworld

SKAFISH

Em 1980, Skafish lançou o terceiro single,Maybe One Time", e no lado b "No Liberation Here" . Ambos apareceu no auto-intitulado album de estreia. A banda de post-punk/experimental, de Chicago, Illinois, foi liderada por Jim Skafish. Lançaram dois álbuns antes de acabar em 1983. E ressurgiram em 1978 com um novo álbum e periodicamente até 1998.

STEVE FISK

Se a Alemanha teve nos anos 80 em Holger Hiller o seu demiurgo dos samples, na mesma época, nos EUA, um natural da costa noroeste, Steve Fisk, revolucionava o universo do “cut & paste” digital, num álbum que se transformou em obra de culto, “448 Deathless Days”, editado na SST em 1987. No mesmo ano, uma participação em “Escape from Noise”, dos Negativland, chamou de novo a atenção para o seu nome. Os anos 90 viram-no trabalhar ao lado dos Nirvana e dos Soundgarden ou na produção da estreia dos Screaming Trees. “999 Levels of Undo” é o prolongamento lógico de “448 Deathless Days” e outra obra que ficará para a história.

The 100 Greatest Sci-Fi Movies

Os filmes desta lista são um bom indicador de quão diverso é o género ficção científica. A partir das idéias filosóficas do épico 2001: Uma Odisséia no Espaço e Solaris para o "space opera" alegre Star Wars e Flash Gordon, os filmes aqui são ligadas pela sua capacidade de explorar o tempo e o espaço com talento, imaginação e audácia.

Esta lista é o resultado de um debate acalorado / brigas, entre os escritores de frazzled Total Sci-Fi. Além da resolução sobre os próprios títulos, também tiveram de definir os limites do que conta como um "filme de ficção científica ': os filmes de super-heróis ficaram de fora já que é um género distinto de todos, mas comédias como Sleeper e Galaxy Quest possuem conceitos de ficção científica suficiente para justificar a inclusão. Então aqui está a lista dos 100 melhores filmes de ficção científica.

1) Blade Runner (1982)
2) 2001: A Space Odyssey (1968)
3) Star Wars (1977)
4) Alien (1979)
5) Metropolis (1927)
6) The Day the Earth Stood Still (1951)
7) The Terminator (1984)
8) Planet of the Apes (1968)
9) E.T. (1982)
10) Solaris (1972)

11) Close Encounters of the Third Kind (1977)
12) Forbidden Planet (1956)
13) The Empire Strikes Back (1980)
14) A Trip to the Moon (1902)
15) Aliens (1986)
16) Silent Running (1972)
17) Brazil (1985)
18) Akira (1988)
19) Star Trek II: The Wrath of Khan (1982)
20) Total Recall (1990)

21) The Matrix (1999)
22) Tron (1982)
23) The Thing (1982)
24) RoboCop (1987)
25) Jurassic Park (1993)
26) Invasion of the Body Snatchers (1978)
27) A Clockwork Orange (1971)
28) The Fifth Element (1997)
29) La Jetée (1962)
30) Sleeper (1973)

31) The Fly (1986)
32) Terminator 2: Judgement Day (1991)
33) Westworld (1973)
34) Mad Max 2 (aka The Road Warrior) (1981)
35) Return of the Jedi (1983)
36) Back to the Future (1985)
37) WALL-E (2008)
38) Fantastic Planet (1973)
39) The Man Who Fell to Earth (1976)
40) Things to Come (1936)

41) 20 Million Miles to Earth (1957)
42) The Abyss (1989)
43) Quatermass 2 (1957)
44) This Island Earth (1955)
45) Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
46) Delicatessen (1991)
47) Dark Star (1974)
48) The Andromeda Strain (1971)
49) The Omega Man (1971)
50) Stalker (1979)

51) Tetsuo: The Iron Man (1989)
52) Escape from New York (1981)
53) The Invisible Man (1933)
54) It Came From Outer Space (1953)
55) Godzilla (1954)
56) Invasion of the Body Snatchers (1956)
57) Minority Report (2002)
58) Alphaville (1965)
59) Gattaca (1997)
60) The Fountain (2006)


61) Them! (1954)
62) Videodrome (1983)
63) Logan’s Run (1976)
64) Ghost in the Shell (1995)65) Repo Man (1984)
66) Children of Men (2006)
67) Star Trek VI: The Undiscovered Country (1991)
68) Outland (1981)
69) A Boy and his Dog (1975)
70) Mad Max (1979)

71) Donnie Darko (2001)
72) Soylent Green (1973)
73) Cube (1997)
74) Moon (2009)
75) Dark City (1998)
76) Starship Troopers (1997)
77) A Scanner Darkly (2006)
78) The Quiet Earth (1985)
79) Invaders From Mars (1953)
80) Fantastic Voyage (1966)
81) Barbarella (1968)
82) Fahrenheit 451 (1966)
83) Twelve Monkeys (1995)


84) Event Horizon (1997)
85) Independence Day (1996)
86) Altered States (1980)
87) The Stepford Wives (1975)
88) Serenity (2005)
89) Dune (1984)
90) Primer (2004)

91) Explorers (1985)
92) THX 1138 (1971)
93) Star Trek (2009)
94) Flash Gordon (1980)
95) Galaxy Quest (1999)
96) Cocoon (1985)
97) Stargate (1994)
98) Predator (1987)
99) Trancers (1985)
100) Rollerball (1975)

XTC

A banda de Swindon, Inglaterra, de pós-punk / new wave separou-se em 2006, quando Colin Moulding expressou o desejo de mudar. Andy Partridge disse que faria sentido os XTC sem ambos."Generals And Majors" 1980, foi o seu nono single.

IMPULSE RECORDS

The Blues and the Abstract Truth Label: Impulse A-5 12" LP 1961
Design: Robert Flynn Photo: Pete Turner

IMPULSE RECORDS

John Coltrane: Africa / Brass Label: Impulse A-6 12" LP 1961
Design: Robert Flynn Photo: Ted Russell

IMPULSE RECORDS

The Black Saint and the Sinner Lady Label: Impulse A-35 12" LP 1963
Design: Robert Flynn Photo: Bob Ghiraldini

IMPULSE RECORDS

Pharoah Sanders: Karma Label: Impulse A-9181 12" LP 1969
Design: Robert and Barbara Flynn Photo: Charles Stewart

IMPULSE RECORDS

Albert Ayler in Greenwich Village Label: Impulse A-9155 12" LP 1967
Design: Robert and Barbara Flynn Photo: Charles Stewart

IMPULSE RECORDS

Archie Shepp: The Magic of Ju-Ju Label: Impulse A-9154 12" LP 1967
Painting: Alan Winston Photo: William A. Levy

IMPULSE - JOHN COLTRANE

The House That Trane Built: Best of Impulse Records homenageia o músico que mais impulsionou e prestigiou esta editora.

Aqui se encontram obras de, ente outros, Oliver Nelson, Art Blakely, Charles Mingus, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler, Earl Hines, Alice Coltrane, John Handy, Keith Jarrett, Sonny Rollins ou McCoy Tyner.

Impulse! com sede em Nova York, E.U.A., lançada em 1960 por Creed Taylor como uma subsidiária da ABC-Paramount Records, é mais conhecida pelas suas produções de free jazz; Albert Ayler, John Coltrane, Charles Mingus, Archie Shepp, é também mais mainstream- Coleman Hawkins, Milt Jackson, Shirley Scott. A Impulse! produziu discos até 1974.

John William Coltrane, Jr. nasceu em Hamlet, Carolina do Norte, em 1926. Logo após seu nascimento, os pais juntam-se a família da sua mãe em High Point, onde foi criado. Coltrane, provavelmente, recebeu a primeira formação instrumental em 1939, tocou saxofone alto, em seguida, clarinete, saxofone alto, em seguida na comunidade e em bandas.

Entretanto, entre 1938 e 1940 a família foi devastada pela morte de cinco membros, incluindo o pai de John. Após graduação da High School em 1943, John mudou-se para Filadélfia, onde acabou acompanhado pela sua mãe, tia e a prima Maria. Enquanto trabalhava de dia, estudou música, inspirada por dois saxofonistas - em primeiro lugar Johnny Hodges, em seguida, Charlie Parker.

Coltrane serviu como marinheiro e músico da marinha em 1945 até 1946. Voltando para a Filadélfia, como freelanced em torno de Filadélfia, muitas vezes com a big band do saxofonista Jimmy Heath, saiu em turnée com outras bandas. Começou a tocar saxofone tenor profissional em 1948 com o cantor de blues e saxofonista Eddie Vinson. Tocou com Dizzy Gillespie 1949-1951 e com o saxofonista virtuoso Earl Bostic em 1952, e em 1954 juntou-se ao seu ídolo Johnny Hodges.

No final de Setembro de 1955, trabalhando em Filadélfia com o organista Jimmy Smith, foi "descoberto" por Miles Davis. Coltrane começou a gravar com Davis e outros. Os críticos elogiaram-no, embora muitas vezes com reservas, enquanto uma minoria rejeitou violentamente o seu trabalho. Em ambos os casos, ficou claro que ele tinha desenvolvido um estilo distinto. Mas, como muitos de sua geração, Coltrane havia desenvolvido vícios que interferiu na sua performance. Davis demiti-o no final de 1957 por causa da sua insegurança, e livrar-se da heroína e para desistir "cold turkey", durante uma semana a dar concertos em Filadélfia.

Imediatamente começou uma associação crucial com Thelonious Monk, Coltrane pediu para se juntar ao seu grupo no Five Spot, em Manhattan a partir de julho até o final de 1957. O noivado foi um momento decisivo para ambos - Coltrane atraiu elogios da maioria. Depois, no início de Janeiro de 1958, Davis recontrata Coltrane.

Durante a primavera de 1959, Coltrane apareceu em dois dos álbuns de jazz mais famosos de todos os tempos, e que representam duas abordagens diferentes: Kind of Blue de Davis e o seu próprio Giant Steps.Coltrane deixou Davis em Abril de 1960 e desde então conduziu o seu próprio grupo. Down Beat honrou-o como "jazzman do ano" na sua revisão de 1961.

Durante alguns anos, Coltrane tinha vindo a explorar a música de outras culturas - a Índia, partes da África, e América Latina. Combinou encontrar-se com o mestre da sitar Ravi Shankar, em Nova York em Dezembro de 1961 para o primeiro de um punhado de aulas informais, e nomeou o seu filho depois dele. Não foi apenas o som da música mundial que atraiu John Coltrane, que estava interessado em todos os tipos de religião, na astrologia, numerologia e misticismo. A sua mística, os interesses espirituais são explícitos em A Love Supreme, o seu álbum mais conhecido e ainda o seu best-seller. Foi eleito o álbum do ano por ambas as revistas Down Beat e Jazz magazine em 1965.

Coltrane conheceu Alice McLeod em Julho de 1963. O seu casamento com Naima foi, então, sobre o rock, e com Alice Coltrane foram logo viver juntos.

Na primavera de 1967 a sua saúde estava falhando rapidamente. Em 23 de Abril, apareceu no Centro Olatunji no Harlem (disponível no Olatunji Concert: The Last Live Recording CD Impulse). A sua última performance foi em Baltimore a 7 de Maio. Morreu de cancro do fígado no Huntington Hospital a 17 de Julho de 1967. A sua morte inesperada, foi chocante, e num sentido muito real, nunca o mundo do jazz totalmente recuperou totalmente da perda.

XTC

XTC sabe a “ecstasy”. No ano em que os XTC se formaram, em 1976, ainda não tinham aparecido as pastilhas que dão cor aos olhos e asas aos pés. Quando, já no final da década, o punk conseguiu por fim arranjar espaço na então depauperada indústria da pop, os XTC mostraram que afinal era possível ser forte e inteligente sem ter que dar um pontapé no traseiro da tradição.

Parece que a maior banda de Swindon realmente não existe mais. Esta notícia é podre, mas há um catálogo fantástico e gratificante voltar lá para amenizar a dor. Sempre conhecedores dos melhores Fabs, Kinks, além da música britânica, Andy Partridge Colin Moulding - e Dave Gregory - avançaram as suas raízes na new wave e tornaram-se confiáveis no campo de um dos cultivadores de gema-pop, em obras como Drums and Wires, Black Sea, o estupendo Skylarking de 1986, ou Oranges & Lemons. Quem é que se esquece de louvar Apple Venus e Wasp Star?. E o alter ego psicadélico The Dukes Of Stratosphear?.

"Orange and Lemons" é uma das "nursery rhymes" mais famosas. Elas se referem aos vários sinos de igreja dentro da cidade de Londres. Mas a história dela é um pouco mais macabra.

Na brincadeira entre as crianças, elas levantam os braços em forma de arco e quando param de cantá-la baixam os braços sobre a criança que parou. Ao abaixarem os braços, imitam uma decapitação, presente nas três últimas linhas da música.

Os condenados enviados ao corredor da morte eram informados pelo carcereiro, na noite anterior e recebiam uma vela acesa colocada ao lado da cama para que pudessem fazer as pazes com o Deus antes da morte. As execuções comentavam pontualmente às nove horas da manhã, quando os sinos ressoavam. Ao pararem, iniciavam-s as decapitações, que às vezes iam até o outro dia.

Apesar do tema lúgubre, Orange ans Lemons (o disco) é um álbum positivo e alegre e isso se pode perceber pela capa colorida.

Andy, "quanto mais olho para essas canções, mais parecem 'nursery rhymes' para mim. Eu acho que a música pop é a 'nursery rhyme' do futuro" .

A banda enfrentou momentos difíceis desde que Andy teve um ataque de pânico em cima do palco, em Paris, em 1982 (stage fright), que marcou o fim das tournées com a banda.

"Eu não sou uma pessoa de grande presença física, fico intimidado facilmente e subir ao palco me fazia perder muitos quilos. Além disso, eu não estava fazendo justiça as canções berrando-as no microfone. Havia também um detalhe que eu quase não via o público quando as luzes se apagavam, à medida que saímos de lugares minúsculos para espaços maiores. Isso me deixava ansioso, berrava cada vez mais e, em Paris, entrei em colapso. Por outro lado, rendo bem mais em estúdio, pois me sinto mais relaxado para escrever".

MIKE WATT

"hyphenated-man" é o nome da terceira ópera, " contemplating the engine room " a primeira, e "t he secondman's middle stand " (2004) a segunda. Mike Watt expressamente uniu os Missingmen - na guitarra Tom Watson,na bateria Raul Morales, para este projecto de anos atrás e agora John Golden, (Agosto, 2010),  foi concretizada, o primeiro lançamento foi a 6 de Outubro de 2010 no Japão pela Parabolica Records.

Em 2000, Ron Asheton começou a tocar com seu irmão Scott e Mike Watt. A banda foi chamada de The New Stooges pelos fãs, e depois que Iggy viu uma apresentação do trio, todos decidiram regressar com os The Stooges.

Membro de inúmeras bandas (Firehose, Dos, tocou na turneé dos The Stooges- Iggy, passou a gravação inteira enchendo a cabeça de Watt,dizendo: “play dull, play dull, play dull, play dull, play dull, play dull, play dull”, etc.), foi com os Minutemen que Watt fez história nos anos 80, fundindo punk rock, free jazz, funk e idéias da esquerda radical. Durante a era moralista de Reagan, Mike Watt foi cúmplice nos Black Flag e com a SST, na fundação dos alicerces da música independente americana. Gravou com J. Mascis, Sonic Youth, Saccharine Trust, The Black Gang, Juliana Hatfield e até com Kelly Clarkson. A morte andou por perto, uma infecção quase fatal agarrou-o pelas "bolas".Literalmente.
Through the Eyes of Magic (Proper Books) by John “Drumbo” French.

Por um lado, o livro tem uma quantidade insana de novos detalhes sobre as maquinações e evolução de quase todos os envolvidos com Capitain Beefheart & the Magic Band French, foi um dos muitos membros do line-up do grupo, e entrevistou todos , excepto Jeff Cotton e Don nem quis falar com ele.

Houve muitos músicos a passar nas fileiras de Captain Beefheart's Magic Band e todos eles em grande consideração pela música que ajudaram a produzir. Alguns são mais conhecidos que outros, mas há um parece ser injustificadamente negligenciado, ainda que esteve envolvido em alguns dos melhores momentos do capitão. Ele pode ser ouvido nos álbuns Mirror Man, Strictly Personal e Trout Mask ReplicaMirror Man, Jeff Cotton (aka Antennae Jimmy Semens)...

Início muito antes da Magic Band entrar em existência, o livro narra a saga do início dos anos 60 da cena de rock, em seguida, vai para a saga de Beefheart-próprio, cambaleando em muito show detalhe-por-show e sessão-por-sessão (com exceção dos anos, em que French estava fora da banda no início dos anos 70). As lendas em torno do processo criativo de Beefheart já foram muito bem desmistificadas por agora. Na verdade, as privações que a banda sofreu eram de conhecimento comum, Trout Mask Replica completou 25 anos em 1994.A sua editora decidiu, em algum momento de exercer absolutamente supervisão editorial, destruindo tudo, mas vale a pena o livro a qualquer um excepto o mais fanático fã Beefheart. O livro é cheio de digressões, anedotas pessoais inúteis,Christian bullshit, organizado num formato discursivo.p Pesado com 864 páginas, poderia ter sido um belo livro, com um terço do seu tamanho. Como está, é uma bagunça, embora perversamente atraente. Os factos e as fotografias aumentam substancialmente o nosso conhecimento da história e o trabalho da Magic Band.

BIBLIOTECA DO CONGRESSO AMERICANO

O Conselho Nacional de Conservação de Registos de Filmes dos Estados Unidos da América seleccionou o clássico de terror "O exorcista" e "O império contra-ataca", da saga "Guerra das Estrelas", para fazerem parte dos arquivos históricos da Biblioteca do Congresso.

O Exorcista foi escolhido por ser “um dos mais bem-sucedidos e influentes filmes de terror de todos os tempos. O sucesso do filme, tanto comercial como cinematográfico, é um exemplo raro de uma novela popular que consegue ser adaptada ao grande ecrã”.

Os filmes foram escolhidos para fazerem parte da que é considerada uma importante instituição cultural dos Estados Unidos, pelo valor cultural, histórico e artístico.
As longas-metragens fazem parte de um grupo de 25 filmes seleccionados.

Integram igualmente o grupo, “Febre de sábado à noite” (1977), com John Travolta, e “A pantera cor-de-rosa”, (1963), com Peter Sellers como inspector Clouseau.
O documentário “Let there be light” (1946), de John Huston, censurado pelo Pentágono durante 35 anos, e a comédia “Aeroplano” (1980), protagonizada por Leslie Nielsen, recentemente falecido, também foram seleccionados.

Na Biblioteca do Congresso há, desde o começo do arquivo, em 1988, exemplares de 550 filmes.

THE RESIDENTS + PRIMUS

FOI ESTA NOITE.........

<< USA 2010 Schedule>>

Oakland December 30 Fox Theater

<< North America 2011 Schedule>>

Mexico City March 15 - Lunario del Auditorio Nacional
Portland OR March 17 - Wonder Ballroom
Seattle WA March 18
Vancouver BC March 19
Edmondton ALB March 21
Calgary ALB March 22
Winnipeg MN March 24
Chicago IL March 26
Toronto ONT March 28
Montreal PQ March 29
Boston MA March 30 - Somerville Theater
New York NY March 31
Philadelphia PA April 1
Washington DC April 2
Atlanta GA April 4
Los Angeles CA April 9

SHARBAT GULA - A JOVEM AFEGÃ CAPA DA NATIONAL GEOGRAPHIC

Sharbat Gula, jovem afegã de etnia pashtun, fotografada por Steve McCurry, capa da National Geographic Magazine em Junho de 1985.

Em aAbril de 2002, a National Geographic Magazine, faz uma nova capa com Sharbat Gula que vivia, casada e com 3 filhas, nas montanhas afegãs.
Steve McCurry demorou mais de 15 anos a reencontrá-la.

OS LIVROS DE 2010 DO PUBLICO

As escolhas de Eduardo Pitta, Helena Vasconcelos, Isabel Coutinho, José Manuel Fernandes, José Riço Direitinho, Maria Conceição Caleiro, Pedro Mexia, Rogério Casanova, Rui Catalão e Rui Lagartinho

1. As Aventuras de Augie March
Saul Bellow
Quetzal

2. Adoecer
Hélia Correia
Relógio d'Água



3. Clarice Lispector - Uma Vida
Benjamin Moser
Civilização

Benjamin Moser passou os últimos cinco anos a trabalhar na primeira biografia de um escritor brasileiro escrita por um autor de língua inglesa: "Clarice Lispector - Uma Vida". Quando foi lançado nos EUA, em 2009, foi considerado um dos melhores livros do ano pelo "The New York Times" e pelo "Los Angeles Times" e o mesmo aconteceu no Brasil. Moser foi à Ucrânia, onde Lispector nasceu, e descobriu aspectos menos conhecidos da vida da escritora e da sua família. I.C.

4. Salazar
Filipe Ribeiro
Dom Quixote



5. Uma Viagem à Índia
Gonçalo M. Tavares
Caminho



6. O Sonho do Celta
Mario Vargas Llosa
Quetzal



7. Submundo
Don DeLillo
Sextante

Enquanto não chega "Point Omega", último em data na obra do autor, a edição portuguesa foi buscar um DeLillo vintage: "Submundo", o épico de 1997 que subsume o mundo contemporâneo: solipsismo, consequências da guerra fria, rebeldes sem causa, Vietname, sida, lixo nuclear das antigas repúblicas soviéticas, assassinos em série, construção do império americano... Keith Haring não falta. Nem o "Black & White Ball" que Truman Capote deu no Plaza de Nova Iorque em Novembro de 1966. Colosso literário lhe chamaram, e com razão. E.P.

8. Um Repentino Pensamento Libertador
Kjell Askildsen
Ahab



9. Obra Poética
Sophia de Mello Breyner Andresen
Caminho



10. Um Tratado sobre os Nossos Actuais Descontentamentos
Tony Judt
Edições 70

O último livro de Tony Judt tem o valor de um testamento. Escrito já depois de se ter declarado a doença que se revelaria fatal. J.M.F.

11. Um Traidor dos Nossos
John Le Carré
Dom Quixote


12. Viva México
Alexandra Lucas Coelho
Tinta da China


13. a máquina de fazer espanhóis
valter hugo mãe
Objectiva

A história começa quando António Silva, 84 anos, barbeiro, vai para o Lar da Feliz Idade, depois da morte da sua mulher. E parte para uma reflexão sobre a velhice, sem paninhos quentes, na escrita peculiar e poética, irónica e ao mesmo tempo crua do Prémio José Saramago 2007. Um olhar sobre o que é isto de ser português, ser do país que durante anos louvou a Pátria, Deus e a Autoridade. "sinto angústia" é a última frase do livro e já diz tudo. I.C.

13. O Quinto da Discórdia
Roberts Davies
Ahab

13. A Viúva Grávida
Martin Amis
Quetzal

Keith Narring, o protagonista de "A Viúva grávida", teve vinte anos na década de 70 do século passado. Passados quarenta anos, resume assim a revolução sexual: "Vê-se o que vai, vê-se o que fica, vê-se o que chega." Resigna-se: "Costumava haver o sistema de classes, e o sistema de raças, e o sistema de sexos. Os três sistemas desapareceram ou estão a desaparecer. E agora temos o sistema de idades". "Viúva grávida" é um retrato, azedo, mordaz, terno e fatalmente caótico de um escritor que não quer ser velho. R. L.

16. Verão
J. M. Coetzee
Dom Quixote

"Verão" faz parte de uma trilogia supostamente autobiográfica e é antecedido por "Infância" (1997) e "Juventude" (2002).

16. História da Vida Privada em Portugal
Direcção de José Mattoso
A Idade Média (coordenação de Bernardo Vasconcelos e Sousa)
Círculo de Leitores - Temas e Debates


18. Coluna de Fumo
Denis Johnson
Casa das Letras

18. O Anjo da História
Walter Benjamin
Assírio & Alvim

Walter Benjamin foi um "místico marxista". O texto sobre o progresso e a catástrofe, que parte de um quadro de Klee ("Angelus Novus"), é uma peça central no pensamento da modernidade, e encabeça um conjunto de ensaios sobre a História enquanto conceito e destino. É o quarto volume da colecção das obras escolhidas de Walter Benjamin, da responsabilidade de João Barrento. "Aquilo a que chamamos o progresso é este vendaval". P.M.

18. Memento Mori
Murial Spark
Ed. Relógio d' Água

A velhice, a morte, a decrepitude da vida familiar abordadas com uma frontalidade estarrecedora e desconcertante. Neste livro de 1959, Muriel Spark consegue ser mais incisiva do que Patricia Highsmith. A proximidade da morte é o Mr. Ripley desta história.

18. Morrem mais de Mágoa
Saul Bellow
Quetzal

PHILL NIBLOCK

Criador, pensador, viabilizador, auto-didacta e activista, Phill Niblock tem um percurso artístico há mais de 50 anos nos campos da música, do cinema e do vídeo. Particularmente interessado em trabalhar as propriedades microtonais e psicoacústicas do som, realiza peças de duração longa que exploram o encontro de frequências contínuas e manipuladas, a sua relação entre si e no espaço, em que revela o ritmo e combinações intuitivas de várias camadas de tons.

Director da Intermedia Foundation desde 1985, tem tido um papel extremamente importante nessa intersecção de trabalho sobre imagem e som. No caso particular de Portugal, e partindo de um contacto próximo que estabeleceu com Ernesto de Sousa a partir do final da década de 1970, criou uma bolsa nomeada em homenagem ao artista português destinada a premiar anualmente artistas nacionais a trabalhar dentro do universo Intermedia.

Assim, desde 1992 que sob a orientação de Niblock foram beneficiários da Bolsa, que tem lugar em Nova Iorque, criativos como Rafael Toral, Manuel Mota, Margarida Garcia, João Paulo Feliciano, David Maranha, Adriana Sá ou André Gonçalves, entre outros.
Entre todas as suas múltiplas áreas de actividade Phill Niblock trabalhou com Sun Ra, Arthur Russell, Thurston Moore ou Jim O’Rourke, passando por espaços performáticos e expositivos como o MoMA, a Kitchen ou a Serpentine Gallery.

A actuação em Portugal, será para leitor de CD, computador, mesa de mistura e quatro colunas distribuídas pelos cantos do espaço irá focar-se em peças que Niblock compôs nos últimos doze anos.

A acompanhar as mesmas estará a projecção do trabalho documental The Movement of People Working, feito principalmente a partir de filmagens de trabalhadores em cenários rurais na China, em Portugal e no Lesoto.

30/12/2010

WHITE MAGIC

Projecto criado por Mira Billotte, os nova-iorquinos White Magic, visitaram-nos no mês passado, têm trabalhado a forma, a tradição e a progressão da canção anglo-saxónica neste novo século. Preocupam-se com todos os elementos – o desenho do ritmo, a melodia, uma nova reconversão harmónica de elementos vocais e instrumentais.
O seu trajecto iniciou-se com a banda Quix*o*tic, que abandona em 2003 para criar os White Magic, editam dois EP’s – In Through the Sun Door e um outro a meias com os American Analog Set "Songs Of Hurt And Healing". A voz de Billotte, lembra Billie Holiday, a etíope Alemayehu Eshete ou Mahmoud Ahmed, ou Karen Dalton.

o primeiro album na Drag City,Dat Rosa Mel Apibus, levou o vocabulário para paragens psicadélicas muito próprias dos White Magic. Foi já em 2007 que o o muito comentado EP Dark Stars saiu, contando com o britânico Doug Shaw, que se manteve desde então como uma espécie de escritor-adjunto do projecto. No mesmo ano, Billote contribuiu para o filme I’m Not There de Todd Haynes, com a sua versão do original de Bob Dylan As I Went Out One Morning.

2008 viu o lançamento pela Latitudes de uma peça, New Egypt.

THE BEST - Os discos pop de 2010 do Publico

Ainda faltam muitas....... mas esta do jornal Publico eu venho seguindo á uns anitos......mas ás vezes custa-me engolir algumas escolhas.Critérios. A musica está assim tão diferente??? Para melhor???.

As escolhas de Gonçalo Frota, João Bonifácio, Luís Maio, Mário Lopes, Nuno Pacheco, Pedro Rios e Vítor Belanciano

1. My Beautiful Dark Twisted Fantasy, de Kanye West
Universal

Uma verdadeira produção de Hollywood. Um casino de Las Vegas no meio do deserto da indústria discográfica. Uma espécie de "Do Fundo Do Coração" - o admirável filme de Coppola que causou a falência da sua produtora Zoetrope - que poderia levar Kanye ao fracasso. Mas que, afinal, o conduziu ao Olimpo. V. B.

2. Halcyon Digest, de Deerhunter
4AD; distri. Popstock

No meio do relativo marasmo em que o dito indie rock se meteu por conta própria, um disco como este surge como um pequeno milagre. Os Deerhunter desaceleraram e entregaram-se a uma suave modorra, uma extensão dos sonhos lisérgicos de Bradford Cox. Há aqui canções que parecem existir debaixo de água ("Helicopter"), monumentos que merecem entrar no cânone indie ("Desire lines"), inacreditáveis homenagens à história da música popular (ouçam "Revival" e imaginem Phil Spector a orquestrar barulho eléctrico) e mais, muito mais. P.R.

3. Before Today, de Ariel Pink
4AD; distri. Popstock
2010 foi, em boa medida, dele. O primeiro disco de estúdio de Ariel Pink é também o símbolo maior de uma geração que reencontrou o prazer nas memórias pop de uma infância fugidia, no apelo físico das cassetes e das VHS como fuga à omnipresença do digital. Foi-se o lo-fi dos registos anteriores, ficou mais exposto o artifício pop de Ariel, rapaz que sorve mil influências, algumas delas malditas (Hall & Oates, 10cc, música de elevador), para fazer espantosas canções. P.R.

4. I'm New Here, de Gil Scott-Heron
XL Recordings; distri. Popstock

Não estava esquecido, mas o seu regresso ao centro dos acontecimentos da cultura popular constituiu uma surpresa. A ressurreição de Gil Scott-Heron deve-se, em parte, a Richard Russell. Foi ele que percebeu que um retorno só faria sentido se mudasse (não se acomodando na prateleira da "consciência negra"). E é isso que se faz ouvir, uma arquitectura sónica que dá amplitude para aquela voz se afirmar, assente numa massa electrónica compacta, em sons vigorosos e em ambientes nocturnos. V.B.

5. Contra, de Vampire Weekend
XL Recordings; distri. Popstock

"Vampire Weekend" era um plano de intenções. Era uma obra inaugurada antes de estarem concluídos dos todos os acabamentos - a ponte que ligava Manhattan ao continente melódico africano e a outra que começava em Nova Iorque e acabava numa Salzburgo de outros tempos já estavam no sítio. Mas faltavam ainda as canções que dignificassem tal empreitada. E essas apareceram em "Contra", em dose cavalar, cada uma melhor do que a anterior. G.F.

6. Treats, de Sleigh Bells
Mom & Pop; distri. Sony Music

As melhores ideias são muitas vezes as mais simples e os Sleigh Bells de Alexis Krauss e Derek Miller são uma grande ideia. Uma guitarra ruidosa, com batida bombástica a distorcer o som que sai das colunas e sintetizadores a criarem um ambiente denso e eléctrico. Uma vocalista que tanto é MC desalinhada quanto sedutora com inocência de girl group. O duo nova-iorquino explodiu com estrondo em 2010. São uma nova jukebox, criada para ser ouvida, sem interferências, sobre a imensidão de ruído e de distracções que nos rodeia. M.L.

7. Do Amor e dos Dias, de Camané
Capitol; distri. EMI

Depois de "Sempre de Mim", Camané gravou outra obra-prima, um disco conceptual que parte da ideia do amor e dos múltiplos sentimentos que este desencadeia (paixão, ódio, ciúme, dúvida, vingança) para compor uma admirável teia de fragmentos poéticos e sonoros. A introspecção cedeu o lugar à representação, à arte maior do intérprete, a de ser verdadeiro fingindo. Para dar ao fado uma vida mais eterna. N.P.

8. Pilot Talk, de Curren$y
DD1732

Um rapper que brada sobre a erva que fuma, Ferraris e deboche não é propriamente novidade. Mas a pinta com que Curren$y debita cada sílaba e o extraordinário bom gosto dos produtores Ski Beatz fazem de "Pilot Talk" um disco único, em que trilhas cinemáticas sombrias convivem com beats inovadores, o funk lambe o jazz e linhas de piano fazem-se acompanhar de metais rumo ao épico. De longe o disco mais inventivo deste ano. J.B.

9. Magic Chairs, de Efterklang
4AD; distri. Popstock

Como bons representantes musicais do povo nórdico, estes dinamarqueses trazem consigo aquela tendência entre o feérico e o sonhador que se reconhece de imediato em gente como os Sigur Rós. Com a diferença de que aqui o som é depois passado pela central de tratamento que processa a sua transformação numa estética de origem inglesa, até raiar os Talk Talk, os Elbow e derivados. Música com pompa, ambiciosa, em crescimento. G.F.

10. Ali and Toumani, de Ali Farka Touré & Toumani Diabaté
Nonesusch; distri. Warner

O resultado do último encontro do guitarrista Ali Farka Touré, que faleceu em 2006, com o gigante da kora Toumani Diabaté foi editado apenas este ano, quatro anos depois de ser gravado. Música de excepção, feita do sublime diálogo de cordas entre os dois mestres, que aqui ligam diferentes tradições musicais do Norte e do Sul do Mali. Música que corre sem esforço, que aquieta. P.R.

11. A Sufi and a Killer, de Gonjasufi
Ninja Tune; distri. Symbiose

Cabe cá tudo. Cantilenas índias. Disparos de cowboys. Rasgões de rock psicadélico. Balanços de funk cósmico. Visões dos quatro cantos do mundo. Electrónica mastigada. Um hip-hop dormente. Um dub pedrado. Uma voz nasalada. E um professor de ioga transfigurado em cantor, que manobra um sem número de alusões destiladas por uma qualquer máquina do tempo. O futuro não passa por aqui. Está aqui. E o passado. E o presente. Tudo. V.B.

12. Good Things, de Aloe Blacc
Stones Throw; distri. Flur

Raras vezes um título foi tão certeiro: Aloe Blacc deixou o rap para se dedicar à soul mais clássica, aquela em que "soul" não é um género mas uma forma de vida. Pianos clássicos, guitarras com swing, metais em harmonia, cordas sumptuosas e melodias divinas num disco em que cada sílaba respira consciência política (desde Lou Bond que a soul não "pensava" tanto a sua cor). E pelo meio ainda anda lá "a" canção do ano: "I need a dollar". J.B.

13. Mare, de Julian Lynch
Olde English Spelling Bee; distri. Flur

O Julian Lynch anterior impedia as suas canções de respirarem, afogadas que estavam em produção pouco cuidada. O Julian Lynch de "Mare" incide luz sobre a sua criatividade - luz baixa e tremeluzente, mas luz que ilumina verdadeiramente. Dono de uma surpreendente voz musical, conjuga drones de raga oriental e guitarras sacadas ao psicadelismo de 1970. Cruza uma voz espectral com percussões para bailado antigo, embala-nos com metais nocturnos e embrulha tudo em texturas enquadradas na Brooklyn de onde saíram os Animal Collective. Uma discreta revelação. M.L.

14. ArchAndroid, de Janelle Monáe
Bad Boy; distri. Warner

É um álbum épico, mais de 70 minutos, com 18 temas, o que não é propriamente grande cartão de visita. Mas Janelle Monáe passa o teste com distinção, num disco ecléctico, de R&B futurista, funk nostálgico, pop barroca, jazz orquestral, rap psicadélico, cabaré om cinema negro em fundo ou folk pastoral. É um disco diverso, mas com uma sequência lógica e uma estrutura dramática bem definida. Janelle Monáe chegou, viu, venceu e vai ficar por muitos anos. V.B.

15. This is Happening, de LCD Soundsystem
DFA; distri. EMI Music Portugal

Ao terceiro álbum, James Murphy, continua a divertir-se. Não procura estímulos muito diferentes daqueles que já o haviam inspirado no passado - pop electrónica, rock alemão dos anos 70, funk ou disco - mas procurando dentro de si próprio um novo alento, como sempre, como se fosse o último. Mais uma vez, há uma gestão imparável do ritmo, do compasso nervoso, dos sintetizadores galopantes e de uma voz que vive da intensidade performativa. Tudo como se fosse a primeira vez. Outra vez. V.B.

16. The Lady Killer, de Cee Lo Green
Elektra; distri. Farol

Cee Lo Green é um sedutor clássico. Em "The Lady Killer", há espaço para sintetizadores entre Michael Jackson e Van Halen, mas a verdadeira face do álbum, com os metais e as orquestrações açucaradas, aproxima-o de históricos como Marvin Gaye, Bobby Womack ou Al Green. Com um "twist", porque há sempre algo a subverter o classicismo da obra - é esse o segredo do álbum. Basta-nos, de resto, pensar em "Fuck you", provavelmente a melhor canção de sempre sobre um coração ressabiado. M.L.

17. Lisbon, de The Walkmen
Bella Union; distri. Popstock

Numa hierarquia de bandas de guitarra românticas (no sentido Byronesco) cuja música representasse uma espécie de mal-estar, os Walkmen estariam no topo, talvez apenas um degrau abaixo dos National em complexidade musical, talvez um degrau acima em músculo e suor. Nos últimos três discos os rapazes afinaram um som vintage, como se o Dylan eléctrico só escrevesse canções de dor de corno. "Lisbon", o mais recente, é o mais directo, o mais sujo - e o mais belo. J.B.

18. Small Craft on a Milk Sea, de Brian Eno
Warp Records; distri. Symbiose

Brian Eno, um dos músicos mais influentes das últimas quatro décadas, lançou em colaboração com Jon Hopkins e Leo Abrahams um álbum que resume e "reactualiza" o seu corpo de obra, da delicada construção ambiental com o piano como guia melódico à arquitectura electrónica mais convulsiva, com guitarras atravessando um espaço sonoro denso e aventureiro. Não podia ter resultado melhor o primeiro encontro entre o génio Eno e a histórica editora Warp. M.L.

19. King of the Beach, de Wavves
Bella Union; distri. Nuevos Medios (capa na foto)

Nathan Williams, o mentor dos Wavves, era um dos nomes destacados do rock roufenho, directo, que tomou de assalto o universo indie. Com "King Of The Beach", ultrapassou o nicho. O "underground" assomou gloriosamente à superfície e Williams deu o seu grito pelo presente. "King Of The Beach" é sensação de "no future" recuperada por outra geração, noutro contexto. Sem política, sem sistema. Nathan aborrece-se de morte. Nathan junta harmonias vocais adolescentes à riffalhada trepidante e permite-se sonhar: "to take on the world would be something". M.L.

20. Cosmogramma, de Flying Lotus
Warp; distri. Symbiose

No terceiro álbum do projecto americano de Steve Ellison (Flying Lotus), há um fluxo contínuo de informação. Sons ambientais, ruídos obscuros, linhas de baixo jazzisticas, orquestrações, vozes, desvios súbitos e toques que parecem extraviados de jogos vídeo, numa colisão de partículas infinita, recompondo cenários conhecidos ou provocando embates inéditos. No centro, a imaginação transbordante de Flying Lotus. V.B.

PULSEIRAS DE BALANÇO DO ANO

As pulseiras do balanço do ano!!!!!

As pulseiras power balance são o fim da macacada. Acabou de ser anunciado agora na TV e após negociações dificeisa que vão fazer parte dos saldos... o povo tem andado numa correria louca....tem sido uma corrida contra o tempo.... já só é possível comprar se fizerem uma reserva de pelo menos um ano...

Sem sentido, sem nexo, e somente não tendo o que fazer e sendo intelectualmente desfavorecido ou muito "careta" é que se podem dar ao luxo de gastar dinheiro por “ plástico ...colorido ”.

O pior é que atletas, artistas, e actores.... dão divulgação a este tipo de treta.

Morre John Warhola, irmão mais velho de Andy Warhol

John Warhola, que apoiou a ascensão do irmão mais novo a ícone pop e foi um dos fundadores do museu com o nome do artista plástico, morreu na noite de Natal aos 85 anos.

De acordo com fonte da família, John Warhola faleceu no hospital geral de Allegheny General Hospital em Pittsburgh, onde estava internado com uma pneumonia à qual sucumbiria a 25 de Dezembro.

O hospital fica localizado muito próximo do Museu Andy Warhol, que John Warhola, irmão mais velho, ajudou a criar, e também a Fundação Andy Warhol for the Visual Arts, onde foi vice-presidente durante vinte anos.

A fundação criou o museu em 1994, em Pittsburgh, sete anos após a morte do artista - cujo nome de baptismo era Andy Warhola - aos 58 anos, vítima de complicações na sequência de uma cirurgia à vesícula.

John foi um dos fundadores da Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, na qual também actuou como vice-presidente por 20 anos. Foi essa organização que abriu o maior museu dos Estados Unidos dedicado a um só artista, o Andy Warhol Museum, localizado em Pittsburgh, na Pensilvânia, em 1994. Sete anos antes, o ícone da pop art havia morrido, aos 58 anos, por causa de complicações decorrentes de uma cirurgia.

De acordo com declarações de Donald Warhola, filho de John, ao jornal Pittsburgh Post-Gazette, o avô terá pedido ao pai para garantir os estudos de Andy, "porque ele dizia que seria um homem de sucesso no futuro".

John serviu como uma espécie de figura paterna para Andy. Depois que Andrij Warhola, o pai morreu, em 1942, foi John que ficou encarregado de cuidar de Warhol e, inclusive, pagou-lhe os estudos na faculdade, garantindo que continua-se a aperfeiçoar-se na faculdade. O pai havia garantido o pagamento dos dois primeiros anos, mas disse a John que o resto era com ele.

Andy Warhol fez os estudos universitários em Belas-Artes e começou a ser um artista com sucesso comercial antes de ser conhecido pela pop art, com a qual se tornaria um ícone através de obras com imagens de celebridades, como Marilyn Monroe, e de objetos do quotidiano, como as lata de sopa Campbell.

De acordo com uma declaração de Donald Warhola, filho de John, ao jornal Pittsburgh Tribune-Review, Andy confiava muito no seu pai que, por sua vez, era muito zeloso com as suas responsabilidades na fundação: "Ele tinha muito orgulho de ser vice-presidente e assumiu para valer o papel de historiador".

JESSE LENZ - MONSTERS and MARILYNS

Jesse Lenz presents: Monsters and Marilyns:

CS Lewis disse certa vez:" Como monotonamente iguais devem ter sido todos os grandes tiranos e conquistadores ". Este é o pensamento principal por trás da série Monsters and Marilyns. Ao longo da história fascistas, comunistas, marxistas e socialistas, foram assassinados e oprimidos, e estiveram sob o seu domínio, mas a cultura popular e a propaganda têm tentado tornar estes monstros em heróis e ícones. Torcendo a memória dos povos e a lavagem cerebral num pesadelo orwelliano ".

26/12/2010

OS JAPONESES E OS QUARTOS INSÓLITOS DO AMOR

Os hotéis do amor são muito populares no Japão, especialmente em Tóquio. Os apartamentos são geralmente pequenos, é muito conveniente para os japoneses terem um lugar ou encontrar-se para o sexo, mesmo entre casais. Os quartos são alugados para a noite ou apenas por algumas horas, e tem estilos que vão do quarto clássico com o universo louco o suficiente, como o quarto Hello Kitty, o Comissário de avião, o arsenal, na sala de aula e até mesmo dentro de um trem do metro! E você escolhe qual sala?

Gorilla vs. Bear’s Albums of 2010


Gorilla vs. Bear’s albums of 2010

30 Ty Segall – Melted
29 Shackleton – Fabric 55
28 Caribou – Swim
27 Mount Kimbie – Crooks & Lovers
26 Deerhunter – Halcyon Digest
25 Erykah Badu – New Amerykah Part II: Return of the Ankh
24 The Walkmen – Lisbon
23 Tennis – Tennis (cassette)
22 Arcade Fire – The Suburbs
21 Frankie Rose & the Outs – Frankie Rose & the Outs
20 Twin Shadow – Forget
19 Forest Swords – Dagger Paths
18 Harlem – Hippies
17 The Samps – The Samps
16 Grimes – Geidi Primes
15 Dum Dum Girls – I Will Be
14 Big K.R.I.T. – wuz here
13 Twin Sister – Color Your Life / Alternates
12 Earl Sweatshirt – EARL
11 Toro y Moi – Causers of This
10 Girls – Broken Dreams Club
09 White Denim – Last Day of Summer
08 Games – That We Can Play
07 Lower Dens – Twin-Hand Movement
06 Big Boi – Sir Lucious Left Foot: The Son of Chico Dusty
05 Joanna Newsom – Have One on Me
04 James Blake – CMYK / Klavierwerke
03 Shabazz Palaces – Shabazz Palaces / Of Light
02 Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today
01 Beach House – Teen Dream

THE FLAMING LIPS

Numa entrevista há Rolling Stone americana, Wayne Coyne disse que os Flaming Lips pretendem lançar uma música por mês em 2011. Além de filmar todo o processo de composição para futuramente lançarem um documentário.

A duvida é qual será o formato em que as novas músicas serão lançadas. “O dilema é se lançaremos em vinil, em caixas de cereal ou com alguns brinquedos que fazemos”, afirmou.

Os Flaming Lips vão tocar o álbum The Solf Bulletin na integrar na véspera de ano novo no Cox Convention Center, Oklahoma (EUA).

BLUR - OASIS


O campeonato da brit pop....

SMITHS

Como eles eram tão amigos!!!!!!

STAN RIDGWAY

Depois de sua separação dos Wall Of Voodoo, os vocais Stan Ridgway "estilo de Fred Schneider logo foram ouvidos sobre a faixa" Don't Box Me In ", uma colaboração com Stewart Copeland dos The Police, que foi destaque na banda sonora do filme 'Rumble Fish '. Deseguida com uma aparição no album de 1986 »Lost In The Stars: The Music Of A Kurt Weill" com uma música. Nenhuma surpresa realmente dado que Ridgway tem uma forte dedicação à arte cinematográfica, o seu trabalho muitas vezes mais próximo do de um romancista /narrador de filme noir que músico de pop-rock.

Nascido Stanard R. Funsten na cidade do deserto californiano de Barstow, Ridgway começou com um amor pela música folk / country durante a sua adolescência, que se reflecte tanto no seu trabalho de covers de Johnny Cash e Tennessee Ernie Ford. Ridgway leva a sua paixão por bandas sonoras de filmes, ganhou uma difícil experiência como vocalista de uma banda ousada e inovadora, um estilo do seu trabalho a solo pós Wall Of Voodoo.

STAN RIDGWAY

Actuando em Nova York, no 11 de Setembro, o novo album a solo de Stan Ridgway, Neon Mirage é afinal, um documento de um momento trágico que o songwriter de LA quer afastar da vida este vale mortal.Desde o seu primeiro álbum solo de 2004, Snakebite, Ridgway mantém a mesma visão sarcástica e colorido que tem sido em parte a sua marca desde o início da sua carreira, mas as perdas que ocorreram durante Neon Mirage estão fazendo-o adicionar um quociente extra de seriedade para toda a questão.

Não só o pai e o tio de Ridgway morreram durante as sessões do álbum, mas também a violinista Amy Farris cometeu suicídio a meio da gravação. Embora o humor negro característico de Ridgway - uma característica, ele diz que aprendeu com seu pai - mantém o album de ficar muito rabugento, algumas das canções são meditações sobre as grandes questões, como o destino e mortalidade. Reconhecidas raízes rock do trovador Dave Alvin, que junto com Ridgway na cena de Los Angeles dos anos 80 como membro do The Blasters, está à disposição para o ajudar a realizar o sonho de Ridgway, como o keyboardist/collaborator de longa data Pietra Wexstun, e ex-membro Tin Huey / Ralph Carney. E para aqueles que querem uma experiência mais pessoal de novo lote de Ridgway de músicas, cruzaram o país desde o final de Agosto até meados de Setembro.

NERVOUS GENDER

Nervous Gender foi formado em Los Angeles, Califórnia em 1979 por Gerardo Velasquez, Edward Stapleton, Michael Ochoa e Phranc, com a intenção de criar música punk totalmente sintética. Eles usaram sintetizadores, técnicas de som electrónica, tornando-os, junto com os Screamers, originais e inovadores do que hoje é chamado de "Synthpunk".

Nervous Gender passou por mudanças pessoal os membros incluíram Don Bolles (Germs, 45 Grave, Vox Pop), Paul Roessler (The Screamers, Twisted Roots, Nina Hagen) e Dinah Cancer (Castration Squad, 45 Grave)e, a certa altura, quase a formação completa dos Wal of Voodoo- Marc e Bruce Morland, Chas T. Gray e Ned Nuekhardt.

Após a morte de Gerardo Velasquez em 28 de marco de 1992, a banda fez uma pausa muito necessária. Uma década mais tarde, então em 2006, os membros restantes, Michael Ochoa, Edward Stapleton, e Joe Zinnato, começaram a ingrata tarefa de revisar todo o material dos Nervous Gender (estúdio, ao vivo, gravações de ensaios e vídeos) e tem lançado uma série de gravações de arquivo.

Em 2007, tocaram ao vivo pela primeira vez em 16 anos e agora, ocasionalmente, atuam na área de Los Angeles. Terminaram recentemente a re-mistura de "Music From Hell 'para re-lançamento e vem trabalhando em material novo.

Em 2010 tocaram no the Eagle Rock Music Festival.

WALL OF VOODOO

Wall of Voodoo foi um grupo de New Wave de Los Angeles conhecido pelo seu hit de 1983 "Mexican Radio". A banda tinha um som que era uma fusão de sintetizador baseado em música New Wave com a banda sonora ao estilo western spaghetti de Ennio Morricone.


Wall of Voodoo tinham as suas raízes no Acme Soundtracks, um negócio mal sucedido de filme começado por Stan Ridgway, depois, o vocalista e synth nos Wall of Voodoo.O escritório da Acme Soundtracks estava do outro lado da rua do clube punk de Hollywood The Masque, e Ridgway foi logo atraído para a memergente cena punk-new wave. Marc Moreland, guitarrista dos The Skulls começou a tocar com Ridgway no escritório da Acme Soundtracks e a companhia transformou-se na banda sonora de uma banda de New Wave.

Em 1977, com a adição de membros dos Skulls Bruce Moreland (irmão de Marc Moreland) como baixista e Chas T. Gray como teclista, juntamente com Joe Nanini, que tinha sido o baterista nos Black Randy e ns Metrosquad, nasceu a a primeira formação dos Wall of Voodoo.

A banda foi nomeada Wall of Voodoo antes do seu primeiro show em referência a um comentário feito por Joe Berardi, um amigo de Ridgway. Berardi estava ouvindo algumas das bandas sonoras de músicas de Ridgway e Moreland que haviam criado o seu estúdio na Acme. Quando Ridgway em brincadeira comparva as gravações de várias drum-machine-e-órgão Farfisa de Phil Spector Wall of Sound, Berardi comentou que soavam mais como um
"Wall of Voodoo", e o nome pegou.

Wall of Voodoo lançou o auto-intitulado, EP, em 1980, contou com uma capa original, sintetizadores e a canção de Johnny Cash, "Ring of Fire". O álbum Dark Continent saiu em 1981. Bruce Moreland deixou a banda pela primeira vez, Chas Gray tocou baixo e teclado durante este tempo. A banda gravou o seu álbum mais vendido, Call of the West, em 1982. A faixa "Mexican Radio" foi o seu único hit no Top 100 e o vídeo da canção teve uma grande exposição na recém-formada MTV. Bill Noland foi adicionado como teclista logo após o lançamento deste álbum.

Stan Ridgway afirma que a situação em torno da banda estava cada vez mais caótica na época, com uma grande quantidade de drogas e fora de controle o comportamento por parte dos membros da banda, bem como o comportamento obscuro da administração da editora com a banda. Wall of Voodoo apareceu no segundo Festival EUA em 28 de Maio de 1983 (o maior show que a banda havia realizado), imediatamente após o qual Ridgway, Nanini e Noland, deixaram a banda. Stan Ridgway logo passou a uma carreira a solo de sucesso, aparecendo como vocalista convidado na banda sonora do filme Rumble Fish e lançou o seu primeiro álbum a solo em 1986. Joe Nanini logo ressurgiu na banda de country rock Lonesome Strangers.

1983-1988

O restante da banda, Marc Moreland, Chas T. Gray, e o regresso de Bruce Moreland conduziram sob o nome de Wall of Voodoo. Pouco depois, Andy Prieboy, forma a banda de new wave de S. Francisco, Eye Protection, como cantor e Ned Lukhardt foi adicionado como baterista. A banda continuou a gravar e a apresentar-se com essa formação até 1988, embora o seu som era muito diferente do estilo de música que eles tocaram na programação anterior de Stan Ridgway.

Em 1988, separaram-se, Andy Prieboy e Marc Moreland continuaram a carreira a solo. Durante este período, todos os membros dos Wall of Voodoo (com excepção de Andy Prieboy) também com membros dos Nervous Gender, um lineup que foi apelidado de "Wall of Gender" - NERVOUS WALL OF GENDER.

After 1988

Stan Ridgway, Andy Prieboy e Marc Moreland todos activos e funcionando como artistas a solo durante os anos 1990 e 2000.Joe Nanini lançou um EP com o nome de Sienna Nanini-Bohica em 1996.

Dois ex-membros viriam a morrer dentro de poucos anos no início de 2000, Joe Nanini morreu de uma hemorragia cerebral a 4 de Dezembro de 2000 e Marc Moreland morreu de insuficiência renal e hepática em 13 de Março de 2002.

Em 2006, Stan Ridgway como Wall of Voodoo tocou no Pacific Amphitheatre in Orange County, como banda de abertura para Cyndi Lauper, no entanto nenhum dos sobreviventes dos Wall of Voodoo foram incluídos nesta programação. Ridgway / Wall of Voodoo fizeram uma turnée nacional no Verão de 2007.

Album Discography

* Wall of Voodoo (EP) (1980)
* Dark Continent (1981)
* Call of the West (1982)
* Seven Days in Sammystown (1985)
* Happy Planet (1987)
* The Ugly Americans in Australia (1989)

Compilations

* Granma's House (1984)
* The Index Masters (includes the 1980 EP + live tracks) (1991)

ANDY PRIEBOY

ANDY PRIEBOY
... Upon My Wicked Son (Doctor Dream) 1990
Montezuma Was a Man of Faith (Doctor Dream) 1991

HUMAN HANDS

Este turn-of-the-decade o quinteto de LA, futuras estrelas underground da California, o baterista Dennis Duck (Dream Syndicate), guitarrista Juan Gomez (Romans) e o keyboardist Bill Noland (Wall of Voodoo).Embora nunca os Humans Hands gravassem um álbum próprio, uma edição limitada (e agora irremediavelmente rara) uma compilação em dois de demos ao vivo foi emitido pela Independent Projects, em 1982. Agradavelmente comparáveis a grupos pop como Monochrome Set ou Yachts, mas também capaz de uma pertubadora art/jazz, Human Hands não serão o elo que faltava, mas partir de agora, acrescenta um parágrafo arrumado para a história do rock da West Coast.
HUMAN HANDS - Hereafter (Nate Starkman & Son) 1988.

William S. Burroughs and Jack Kerouac

Antes eles eram heróis, Beat, William S. Burroughs e Jack Kerouac uniram-se para escrever um romance policial em conjunto, com base em parte da precipitação em 1944, quando o seu amigo Lucien Carr esfaqueou um velho admirador e atirou o seu corpo no rio Hudson. Mas as editoras rejeitaram o resultado, caprichosamente intitulado And The Hippos Were Boiled In Their Tanks. Até o momento os autores eram famosos, Carr havia sido libertado da prisão e tentou dissociar-se da sua juventude selvagem, razão pela qual ambos os autores adiaram o romance até que ele morreu em 2005.

WIM WENDERS + PINA BAUSCH

Filmes de dança em 3D podem se tornar bastante na coisa que parece. Primeiro foi streetdance 3D, e agora director de cinema Wim Wenders terminou as filmagens do seu documentário em 3D sobre Pina Bausch - um filme que ele queria fazer há 20 anos .

ALAN PLATEL + PINA BAUSCH

É um processo de permanente início aquele que se estabelece em "Out of context - for Pina", peça que Alain Platel assinou depois desse monumento que foi "Pitié!", criado a partir da obra de Bach, "Paixão segundo São Mateus" (CCB e Teatro Nacional São João, 2008). Aos bailarinos já não lhes é pedido que se esgotem em cada movimento, como aconteceu em outras peças de Platel.A peça não é tanto uma homenagem a Pina Bausch, que morreu no Verão de 2009, no sentido de referência directa e explícita, como o é enquanto reconhecimento do percurso aberto pela coreógrafa. E "Out of context - for Pina" vive desse imponderável, desse ambicioso desejo de nos fazer acreditar na surpresa. Quando os bailarinos interpretam - na sequência-chave da peça - um conjunto de canções pop, como se fossem poemas que carecem de uma voz, ou mensagens importantes que não querem deixar de fazer passar.

A companhia belga les ballets C de la B regressou ao Centro Cultural Vila Flor, em Guimarães, na semana passada( e eu não arranjei ninguém para ir ver.... ah, oh, mas é dança!!!) para apresentar a mais recente criação de Alain Platel, “Out of Context – For Pina”, um espectáculo dedicado à lendária coreógrafa e bailarina alemã Pina Bausch.

Deve ter sido um dos melhores espectáculos a passar pelas salas portuguesas este ano. Eu digo com certeza porque já vi duas peças de Platel...... e foram momentos inesquecíveis, irresistíveis, irrecuperáveis, e imperdoável terem perdido.

As duas sessões no Teatro Maria Matos esgotaram.

“A dor é verdadeira quando se consegue que outros acreditem nela. Se ninguém além de ti acredita nela, a tua dor é loucura ou histerismo.”
Naomi Wolf

Out of Context - for Pina é uma produção les ballets C de la B / Alain Platel concepção e direcção Alain Platel interpretação e criação Matthieu Desseigne Ravel, Kaori Ito, Emile Josse, Mélanie Lomof, Ross Mc Cormack, Romeu Runa, Elie Tass, Rosalba Torres Guerrero e Hyo Seung Ye produção les ballets C de la B co-produção Théâtre de la Ville (Paris), Le Grand Théâtre de Luxembourg, TorinoDanza, Sadler’s Wells (Londres), Stadsschouwburg Groningen, Tanzkongress 2009/ Kulturstiftung des Bundes, Kaaitheater (Bruxelas), Wiener Festwochen apoio The Flemish authorities, City of Ghent, Province East Flanders agradecimentos Timur Magomedgadzhiev, Farah Saleh, Quan Bui Ngoc, Juliana Neves, Fabrizio Cassol, Isnel Da Silveira, Berlinde De Bruyckere, Toneelgroep Ceremonia les ballets C de la B são Embaixadores Culturais da UNESCO-IHE, Institute for Water Education.

Berlin 61/89 - Wall Of Sound (Schaullmauer)

Berlin 61-89 / Wall of Sound é uma compilação. Está mais perto de um álbum conceptual, que remete tanto para um capítulo da história e um conjunto musical que ressoa como um eco de Phil Spector American pop Wall of Sound.

Nesta crença banda sonora de rock avant-garde e pop futurista
expressa-se, às vezes com reminiscências de cabaré velada com o fantasma de Kurt Weill. Extrema e intensa música, tramada durante estas três décadas « at the foot of the Wall » em frente por criadoras que correram riscos como Nico e Nina Hagen, podemos encontrar bandas alemãs Faust, Agitation Free, Harmonia, Can, Die Krupps, Neu !, Einstürzende
Neubauten, e os primos suiços the Young Gods, e todos os outros
estetas, e pioneiros da cultura underground, que domaram a electrónica com eficiência ..

2CD : Berlin 61/89 - Wall Of Sound (Schaullmauer)

Man Machine II. Act II.

No Future, New Future

Man Machine II. Act II.

Nova antologia dos artistas visionários da história da música electro. Desde o surgimento do punk, new wave ao Post, na encruzilhada de influências, o electro destaca-se. Quando o caos bruitist de um tempo gasto por desencanto e da ironia segue o electro e o cósmico primeiros passos de pioneiros como Kraftwerk, Cluster, Harmonia, Klaus Schulze e Tangerine Dream.

Este novo capítulo prolonga o processo do primeiro volume, que voltou no tempo de efervescência e inovação, com os seus clássicos eternos (Suicide, OMD, Fad Gadget, The Human League, DAF, Cabaret Voltaire or Front 242), mas também a parte de raridades (Goûts De Luxe, Crash Course In Science, Jeff and Jane, Unknowmix etc.)e os eternos outsiders (Polyphonic Size, Shriekback, Laurie Anderson, Kas Product, Chris & Cosey etc.).

Assim, A Man & A Machine II presta homenagem a todos esses músicos, avant-garde criativo, que há mais de 30 anos atrás, foram capazes de detectar o aperto inevitável da máquina sobre o homem.

JG THIRLWELL : Best Of 2010

JG Thirlwell: Best Of 2010: "Aqui estão algumas músicas que vim absorvendo este ano. Alguns nesta lista saíram este ano e outros não".

Tristan Perich, 1-Bit Symphony

Magma, Ëmëhntëhtt-Ré

Bondage Fruit, Bondage Fruit 2

Oneohtrix Point Never, Returnal/Rifts

Buke and Gass, Riposte

Swans, My Father Will Guide Me . . .

John Zorn, What Thou Wilt, Dictée, IAO, Mysterium (and many more, he’s prolific)

Sufjan Stevens, The Age of Adz

Happy Family, Happy Family/Toscco

Child Abuse, Cut and Run

Mike Patton, Mondo Cane

Tim Hecker, Harmony in Ultraviolet

Glenn Branca, The Ascension: The Sequel

Melvins, The Bride Screamed Murder

Phill Niblock, Touch Strings

Them Crooked Vultures, Them Crooked Vultures

Sleigh Bells, Treats

"Eu também gostei dos bits dos álbuns de Major Laser, Chrome Hoof, Liars, e Octopus Project. Embora geralmente eu descobri que 2010 seja um ano decepcionante para a new músic".

"Como eu disse no ano passado a minha dieta principal é a composição musical, erudita contemporânea, bandas sonoras e rock progressivo, e eu passei a maior parte do ano compondo músicas novas do meu próprio projecto, e completei três álbuns, bem como uma outra temporada com The Venture Bros, entre outras coisas".

MALARIA

Nas profundezas de Janeiro de 1981, Bettina Köster e Gudrun Gut sairam de entre as cinzas de sua banda anterior MANIA D e formaram um projecto novo a que chamaram Malária!. E com o lançamento do maxi-EP "malária!" em Abril desse ano, propagou-se a peste.

A banda veio a incluir Manon P. DUURSMA, NL ("OUT" o projecto no início de Nina Hagen), Christine HAHN, EUA (Static, Glen Branca) e Susanne Kuhnke, BRD (Die Haut), absorvendo as suas diversas origens e personalidades.

A primeira turnée europeia seguiu durante a qual apareceu numa sessão de John Peel, da BBC e, mais tarde gravou o single "Como você gosta do meu novo cachorro?" para o rótulo Belga, Les Disques du Crepuscule.

Malária! percorreram os EUA aparecendo com os The Birthday Party, John Cale, e um show inesquecível, junto com Nina Hagen, em Nova York no famoso clube nocturno Studio 54. Esta turnée foi a primeira vez que promoveu a Nova Música Alemã nos Estados Unidos.

Em 1982, Malária lançam para aclamação da crítica o seu primeiro álbum, "Emotion". Foi licenciado para a Nippon Columbia, no Japão e o vídeo "Geld / Money" (dirigido por B. Bühler e Hormel D.), ganhou prémios pelo seu estilo de edição inovador.

Em 1983 três novos títulos foram lançados, produzidos por M. Hönig no Hansa Studio, à sombra do Muro de Berlim. Outra turnée nos EUA trouxe com ele a edição ao vivo de "... Revisited" (ROIR), bem como uma gravação nos EUA de "You You". Um vídeo clip da canção foi dirigido por Anne Carlisle.

Um ano depois, "Beat the Distance" foi lançado pela Rebel Records. Então, inevitavelmente, o grupo, como pétalas de uma flor que tinha florescido e amadurecido dando não só o cheiro, mas também, polinizando jardins da criatividade, caiu do tronco esguio como um vento torcendo cada uma nos seus próprios sentidos: Bettina e Christine para os Estados Unidos; Gudrun, Manon e Susanne para novos horizontes na Alemanha, e com este fim começou um sono de 7 anos.

Era verão agora, no ar quente do Golfo, sufocante de Nova Orleans que gera tornados em todos os redutos da América, a Malária! despertou.
Nas margens do Mississippi, gravaram "Old Man River" (produzido por Jim Thirlwell dos Foetus, lançado no EP "Elation").

BETTINA KOSTER - MALARIA

love it when you put on an album, and it just kicks ass immediately. I love it even more when it continues to kick ass, and then when it’s over, you feel compelled to listen to it again! That doesn’t always happen, even with some of your personal favorite albums.

Bettina Köster’s Queen of Noise é um tipo de álbum que acabei de descrever.Para quem não sabe quem é Bettina Köster, ela é a ex-vocalista da banda de meninas alemãs do início dos anos 80 conhecida como MALARIA! 1981-1983.

Ela também fez parte de um duo com a The Vanishing Jessie Evans, intitulado Autonervous que lançou um disco há uns anos atrás. Em Autonervous o foco foi a Jessie, e Bettina.

A primeira música de Queen of Noise é uma cover exclusiva dos The Beatles "Helter Skelter".A segunda destaque do álbum, é a cover de "Femme Fatale", feita originalmente pelos Velvet Underground.

Bettina tem uma história de tocar sax experimental, e com uma voz grave, poderosa e imponente. . . e ela ainda faz, mas um pouco de fumaça estes dias. Evoca uma moderna Marianne Faithfull, em muitos aspectos, mas com um sotaque alemão, e Siouxsie Sioux ou Nico..

Queen Of Noise foi lançado em Outubro de 2009 e está disponível na CD Baby.

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